La Cara Ce











A mí no me gustaban Love of Lesbian. Me parecían un grupo de gafapastas chungos que ven cine iraní sin subtitular para que no pierda la esencia. Pero un día me dijeron que este disco molaba. Yo lo escuché, legalmente, claro, no vayáis a pensar, aquí todo el equipo CareCeense respeta la legislación vigente y tal, y el caso es que resultó ser un disco muy bueno.

No me lo esperaba, yo quería criticarles con toda la mala baba del mundo, pero no. Molaba. Menudo chasco.

El grupo existe desde 1996; al principio sacaron 3 discos en inglés que imagino sólo conocen los fans más acérrimos. Tras ellos, considerados un error por el grupo, se pusieron a cantar en castellano tras la religiosa experiencia de ser teloneros de The Cure en el año 2000.

El disco donde está este tema tiene un nombre muy corto: 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna). Se supone que las canciones forman una unidad conceptual (ay, cómo me gusta): cuenta una relación de principio a fin. Bueno, en realidad hay dos finales, uno a la mitad del disco o así, y otro al final. El título, según ellos, viene de aquí: Supongo que todo el mundo tiene un año clave en su vida y simplemente era eso, el año clave de la vida de dos personas.

O para repetir con sus palabras lo que os acabo de decir: Si, es un álbum de fotos de esa persona que para bien o para mal te marcó, con la cual viviste tus primeras experiencias fuertes, tus primeras decepciones, el primer sadomaso emocional… la persona que primero te hizo gozar y sufrir. También habla de dos personas desarraigadas, caóticas, en un contexto temporal, dos personas que se ayudan tanto como se perjudican…

Así que el que no tenga algo de eso en la vida, que tire la primera piedra.

Esta canción habla de un sitio real, Allí donde solíamos gritar era un lugar al que yo iba con esa chica hace diez años. Si nos pasaba algo, íbamos, gritábamos y nadie nos escuchaba y veíamos Barcelona…

¿Os gusta la idea? Pues la canción acompaña. La letra es un aluvión de recuerdos de una persona a la que ya ni siquiera reconocerías por la calle, seguramente, o puede que sí, pero te cambies de acera. Yo no iba a ningún sitio a gritar, pero me dan ganas de haberlo hecho.

¿A que no sabes donde he vuelto hoy?
Donde solíamos gritar
diez años antes de este ahora sin edad,
aún vive el monstruo y aún no hay paz.

Y en los bancos que escribimos
medio a oscuras, sin pensar,
todos los versos de “Heroes”
con las faltas de un chaval, aún están.

Y aún hoy,
se escapa a mi control,
problema y solución,
y es que el grito siempre acecha,
es la respuesta.

Y aún hoy,
sólo el grito y la ficción
consiguen apagar
las luces de mi negra alerta.

Tengo un cuchillo y es de plástico
donde solía haber metal,
y el libro extraño que te echó de párvulos,
sus hojas tuve que incendiar.

Y en los hierros que separan
la caída más brutal
siguen las dos iniciales
que escribimos con compás,
ahí están.

Vertical y transversal,
soy grito y soy cristal,
justo el punto medio,
el que tanto odiabas
cuando tú me repetías que
té hundirá y me hundirá,
y solamente el grito nos servirá,
decías “es fácil” y solías empezar.

Y es que el grito siempre vuelve
y con nosotros morirá,
frío y breve como un verso,
escrito en lengua animal.
¡Y siempre está!

Te hundirá y me hundirá
y solamente el grito nos servirá
y ahora no es fácil,
tú solías empezar.

Vertical y transversal,
soy grito y soy crital,
justo el punto medio,
el que tanto odiabas
cuando tú me provocabas aullar.

Y ya está, ya hay paz,
oh, ya hay paz.
Y ya está, ya hay paz,
oh, ya hay paz.

¿Porque gritaba?
Lo sé y tú no,
no preguntabas,
tú nunca, no.



Reginald Kenneth Dwight es un tipo más conocido como Elton John, que ya no sabe dónde poner los Grammy, los Óscar ni todos los premios que le llueven cada vez que saca un disco (sobre todo en su época dorada, aunque el hombre no se cansa). Por ejemplo, en la lista de los 100 artistas que más veces entran a la lista de Billboard está el número tres, por delante de Elvis o Michael Jackson.

Empezó a tocar el piano a los 3 años y con 11 entró en la Royal Academy of Music (ya os digo yo que no es fácil),  aunque en lugar de dedicarse el repertorio clásico se puso a tocar rock en pubs de la zona a los 15 añitos.

En el 64 hizo un grupo llamado Bluesology y se presentó a las audiciones para el puesto de cantante en dos pesos pesados del rock progresivo King Crimson y Gentle Giant (¿os lo imagináis?). Acabó haciendo una prueba para una discográfica y tocó con una letra compuesta por Bernie Taupin, y la cosa fue tan bien que a día de hoy sigue siendo su letrista.

Fue por esa época cuando se cambió el nombre artístico por Elton John, en homenaje a Elton Dean y Long John Baldry.

Al principio trabajaron de “negros”, componiendo temitas facilones a media hora la docena o así, hasta el punto de meter una canción en eurovisión (terminó en el último puesto). Así que pronto empezaron a trabajar para sí mismos. El primer disco tenía el creativo título de Elton John (1970). Coló el segundo single en el top 10, y el resto es historia.

Goodbye Yellow Brick Road es su séptimo álbum (1973). Se vendió como rosquillas (31 millones de discos) y estuvo dos meses seguidos en el número uno; prácticamente todos sus temas fueron singles en un momento u otro (es el que trae la de Candle in the Wind, no os digo más).

Como es constante en sus discos, la canción que traemos hoy la compuso Elton sobre una letra de Bernie Taupin. Habla de dejar atrás la vida que llevabas para buscar una mejor, o peor, pero que es la tuya. La referencia al Mago de Oz se queda en el título, creo, pero es una metáfora bastante buena.

Y es un temazo.

When are you gonna come down
When are you going to land
I should have stayed on the farm
I should have listened to my old man

You know you can’t hold me forever
I didn’t sign up with you
I’m not a present for your friends to open
This boy’s too young to be singing the blues

So goodbye yellow brick road
Where the dogs of society howl
You can’t plant me in your penthouse
I’m going back to my plough

Back to the howling old owl in the woods
Hunting the horny back toad
Oh I’ve finally decided my future lies
Beyond the yellow brick road

What do you think you’ll do then
I bet that’ll shoot down your plane
It’ll take you a couple of vodka and tonics
To set you on your feet again

Maybe you’ll get a replacement
There’s plenty like me to be found
Mongrels who ain’t got a penny
Sniffing for tidbits like you on the ground

 



Preferiblemente el tuyo. Sí, hoy tenemos un buen día en el equipo de La Cara Ce y vamos a celebrarlo como la ocasión merece: cortándonos las venas. ¿Un último deseo? Pues mirad detrás del corte… Leer el resto de esta entrada »



Hang On Sloopy es la única canción conocida de un grupo de los 60 llamado The McCoys Fue compuesta por dos tipos conocidos por componer hits para bandas de rock con extrema facilidad, Wes Farrell y Bert Russell, y es un homenaje a la cantante Dorothy Sloop.

La version original la tocaron The Vibrations y tuvo algo de repercusión; algo ma´s consiguió en un álbum en directo de Ramsey Lewis Trio, y posteriormente fue grabada por una multitud de artistas: The Supremes, The Kingsmen, Little Caesar and the Consuls, The Yardbirds…

La historia es genial. Una banda llamada The Strangeloves, querían usarla de Segundo single (el primero, I Want Candy, ha salido en los Simpsons y todo). Dave Clark Five, a los que teloneaban,  les dijeron que nada de eso, que la iban a grabar ellos. Incapaces de llegar a un acuerdo, los Strangeloves cortaron por lo sano. Llamaron a una banda desconocida de Ohio llamada Rick and the Raiders, le cambiaron el nombre por The McCoys , y pusieron la voz del cantante encima de la instrumentación de Dave Clark Five. Número uno. Toma ya.

Tras este éxito grabaron un disco del mismo nombre y posteriormente otros tres, con los que no lograron repetir su salto a la fama. Los hermanos Zehringer, que eran los jefes del grupo, se convirtieron en parte de la banda de Johnny Winter y ahí se acabó la aventura.

Hang On Sloopy se convirtió además en algo así como la canción oficial de Ohio y todos los equipos de cualquier deporte de esa zona la usan de himno (los Cavaliers, por ejemplo). Por eso se cogió la costumbre de cantar O – H – I – O durante el estribillo. Para que lo veáis, os dejo una versión de los Smashing Pumpkins donde todo el mundo corea esa parte. Atentos, además, a los disfraces, sobre todo el de Godzilla de la bajista. Hay una versión de Bruce Springsteen, pero la gente estaba poco participativa.

Hang on sloopy
Hang on sloopy, sloopy hang on
hang on sloopy, sloopy hang on
Sloopy lives in a very bad part of town
and everybody there tries to put my sloopy down
sloopy i don’t care what your daddy do
’cause you know sloopy girl i’m in love with you
and so i’m singing…

Hang on sloopy
Hang on sloopy, sloopy hang on
hang on sloopy, sloopy hang on

Sloopy let your hair down girl, let it run down on me
sloopy let your hair down girl, let it run down on me
Come on sloopy come on, come on – x 2
well come on sloopy come on, come on – x 2
Well it feels so good come on, come on
you know it feels so good come on, come on
Well shake it, shake it, shake it sloopy come on, come on
well shake it, shake it, shake it yeah
yeah…



Robert Leroy Johnson era un bluesman legendario del Delta del Mississipi que nació hace 98 añitos y murió a los 27, como Kurt, por ejemplo, dejando una ristra de canciones versionadas infinitas veces por artistas de todos los géneros en los años siguientes.

Para Clapton, es el bluesman más importante que ha existido; se le conoce también como “el abuelo del rock and roll” y fue uno de los primeros artistas en entrar en el Rock and Roll Hall of Fame.

Lo curioso es que tras sus primeras grabaciones, muchos artistas jóvenes empezaron a interesarse por su vida y la investigaron… sin éxito. Se sabe que tocaba en la zona de Clarksdale, pero ni siquiera su productor, Don Law pudo contar mucho más en el libreto de su disco póstumo King of the Delta Blues Singers, de 1961.

Se hicieron muchos intentos de escribir una biografía de Johnson, pero fue imposible, hasta tal punto que lo único que existe es un artículo de revista llamado Searching for Robert Johnson, así como un documental del mismo nombre que no añade mucha información. Y sólo se conservan dos imágenes suyas, localizadas en 1973 (hay una tercera, publicada en 2008, pero no está muy clara).

La leyenda dice que una noche Johnson se encontró al diablo en un cruce de caminos (o en un cementerio, según versiones). Le pidió la guitarra, y se la afinó, tras lo cual se puso a tocar varios temas y a enseñarle cómo tocar. Pero le dijo que no le daría más clases a no ser que le vendiera su alma. Lógicamente, se la vendió, a cambio de convertirse en el mejor bluesman del mundo.

En 1936 grabó 16 canciones en una habitación de hotel, con la técnica de tocar en un rincón para amplificar el sonido (el presupuesto era cero). En 1937, en Dallas, en un local algo más profesional, grabó música suficiente para llenar 11 discos de la época, y de esas sesiones salió Love in Vain.

La leyenda dice que en 1938 Johnson fue envenenado con estricnina en una botella de whisky, pero eso también es pura fabulación… ya que se llevó a cabo una investigación al respecto en plan Cazadores de Mitos. Es más, hay tres tumbas distintas de Robert Johnson porque nadie sabe exactamente cuáles son sus restos, si es que están en alguna parte.

Menudo misterio…

Love in Vain es un blues extremadamente triste sobre amor no correspondido, basado en una canción anterior, ‘In the Evenin’ When the Sun Goes Down, de LeRoy Carr. Existen muchas otras versiones de la canción, pero la mejor, y la que pongo además aquí, es la de los Rolling Stones, que la incluyeron en el álbum Let It Bleed, de 1972. En los créditos aparece como compuesta por un tal Woody Payne, aunque sabían perfectamente que era de Johnson. Otro misterio.

Versión original:

The Rolling Stones, en directo en 1972



Annie Lennox y su novio se despertaron un día queriendo hacer un grupo de pop electrónico. A veces pasa. Así que abandonaron la banda en la que estaban, The Tourists, y formaron Eurythmics. Como eran raritos, grabaron un primer álbum en Colonia, donde no graba nadie, con su productor de toda la vida, Conny Plank. Era In the Garden, de 1981, un disco de electropop bailongo que suena bastante chirriante para… cualquiera. No vendieron nada, aunque sacaron 2 singles que también fracasaron estrepitosamente.

Con lo que les quedaba de pasta montaron un pequeño estudio y se pusieron a grabar sin intromisiones de nadie, y de ahí salió Sweet Dreams (Are Made of This) en 1983. Ahí está la canción del mismo nombre, de la que se hizo un vídeo bastante pintoresco, como veréis, donde Annie sale con el pelo naranja y un traje de hombre. Esta imagen andrógina sería explotada en los siguientes vídeos así como en las apariciones públicas de la banda. A este disco le siguieron Touch y Be Yourself Tonight, pero hoy vamos a quedarnos aquí, ¿vale? Aunque merece la pena mencionar que Lennox inició en los 90 una carrera en solitario bastante exitosa que culminó con un Óscar en 2003 por la canción del final de El Retorno del Rey.

Sweet Dreams” es famosa por el riff de sintetizador que recorre toda la canción. Al parecer se le ocurrió a Dave Stewart (el susodicho novio, a estas alturas ex novio) al reproducir una línea de bajo al revés. Habla de… dulces sueños. Aspiraciones, metas, ideales, lo que queráis. Circula la idea de que en realidad tiene un significado oculto sadomasoquista, pero nuestro equipo de investigación unipersonal no ha encontrado pruebas de ello, aunque quizás un poco sí en la versión de Marilyn Manson, que también podéis ver a continuación.

Sweet dreams are made of this
Who am I to disagree?
Travel the world and the seven seas
Everybody’s looking for something
Some of them want to use you
Some of them want to get used by you
Some of them want to abuse you
Some of them want to be abused

Sweet dreams are made of this
Who am I to disagree?
Travel the world and the seven seas
Everybody’s looking for something
Some of them want to use you
Some of them want to get used by you
Some of them want to abuse you
Some of them want to be abused

I wanna use you and abuse you
I wanna know what’s inside you
(Whispering) Hold your head up, movin’ on
Keep your head up, movin’ on
Hold your head up, movin’ on
Keep your head up, movin’ on
Hold your head up, movin’ on
Keep your head up, movin’ on
Movin’ on!

Sweet dreams are made of this
Who am I to disagree?
Travel the world and the seven seas
Everybody’s looking for something
Some of them want to use you
Some of them want to get used by you
Some of them want to abuse you
Some of them want to be abused



El juego de hoy es el siguiente: primero hablamos de la canción y después decimos quién la canta. De verdad, así es mejor para todos.

Los Canarios eran un grupo de rock formado en las islas del mismo nombre allá por los 60 por un tipo al que llamaremos, de momento, el Señor X. Primero se les conoció como Los Ídolos, para posteriormente, tras un viaje a Estados Unidos, bautizarse como The Canaries para la grabación de su primer LP, Flying High With The Canaries, que como imaginaréis, no compró nadie.

Al volver a España era poco patriótico llamarse así, de modo que lo tradujeron al castellano, y así consta en su primer single en casa, The incredible Miss Perryman. No fue éste, sino el siguiente, el que les daría el éxito: Get On Your Knees, producido por Alain Milhaud (productor de Los Bravos).

Una vez el Señor X pasó el servicio militar y tras varios cambios de formación,  descartaron las influencias del soul americano y se dedicaron puramente al pop-rock en dos álbumes, Libérate y Canarios Vivos, tras los que se volvieron locos y sacaron en 1973 un doble disco progresivo llamado Ciclos basado en las Cuatro Estaciones de Vivaldi.

Get on Your Knees fue escrita por el Señor X y narra, tranquilamente, una felación. Sí, lo que viene siendo una mamada. Técnicamente la letra habla de arrodillarse para rezar, claro, por aquello de la censura, pero no hagáis caso. En realidad es un truco muy viejo para burlar la censura. “Has sido mala y tienes que cumplir tu penitencia, !arrodíllate!”, viene a decirnos el tema.

Antes de desvelar su nombre, os doy una pista: El Señor X puso la voz de Judas en la banda sonora española de Jesucristo Superstar, porque claro, no se podía estrenar nada en versión original. Una pena, porque Jesucristo era Ian Gillan.

¿Hace falta alguna pista más? Vale, venga. El Señor X preside actualmente una organización con ánimo de lucro llamada… ¡SGAE! Así, que ale, os dejo con la genial canción sobre sexo oral de Teddy Bautista (¿Hay que pagar por decir su nombre?)

Here we go now baby!
Get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love.
You´ve been too long
away from home and i´ve been crying
you,ve done me wrong
so hear my song if you want to save your love
For your penance will be
Get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love.
Got to hear it one more time!
all right!
I can´t go home
my pain is too strong there since you´ve been gone
so here´s a chance
for you to pray; to cry, and to feel the pain.
Like i told you before:
Get on your knees
sing the song
get on your knees baby
and pray to the lond
the almighty god
for your love
It´s got to be for your lover
Get on your knees
get on your knees
get on your knees
that´s what i say!
get on your knees
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love.
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love
get on your knees baby
and pray, pray, pray for your love



James Walsh es uno de esos tipos a los que les gusta hacerlo todo. En la Universidad, un día fue al ensayo de un grupo y el cantante no se presentó. Se ofreció para cantar él y decidieron quedárselo. Como era el que mejor tocaba la guitarra, además se hizo guitarrista. Y le puso nombre al grupo, Starsailor, como un disco de Tim Buckel (el padre de Jeff).

En plena postguerra del brit pop (aunque aún les dio tiempo a tener peleas con Oasis), tras una serie de críticas maravillosas de sus conciertos, firmaron con EMI, y sacaron un single, Fever, en 2001, además de telonear a los Manic Street Preachers.

Su primer disco se llamó Love Is Here y fue número dos (uyyy). El segundo, que seguramente sea el mejor que han sacado, lo produjo Phil Spector y se llama Silence is Easy.

Pero hoy nos quedamos en el primero, con una canción que no fue single y que pasó casi desapercibida. Digo casi, porque en el año 2004, un tipo llamado Hideo Kojima quería poner una canción molona en el final de un videojuego, Metal Gear Solid 3: Snake Eater. Él quería una de Bowie, preferentemente Space Oddity o Ashes to Ashes. Un colega le propuso cambiarlo por un grupo llamado Stellastarr*, pero por cosas de la pronunciación japonesa, Kojima entendió Starsailor. Le gustó tanto esta canción que la metió al final del juego.

Es un tema ideal para morirse, o en su defecto, para estar hecho una mierda. Si te lo pones una tarde de domingo es posible que no vuelvas a salir nunca de casa.

Son
You’ve got a way to fall
They’ll tell you where to go
But they won’t know

Son
You’d better take it all
They’ll tell you what they know
But they won’t show

Oh
I’ve got something in my throat
I need to be alone
While I suffer

Son
You’ve got a way to kill
They’re picking on you still
But they don’t know

Son
You’d better wait to shine
They’ll tell you what is yours
But they’ll take mine

Oh
I’ve got something in my throat
I need to be alone
While I suffer

Oh
There’s a hole inside my boat
And I need stay afloat
For the summer
Long

Oh
I’ve got something in my throat
I need to be alone
While I suffer

Oh
There’s a hole inside my boat
And I need stay afloat
For the summer

Son
You’ve got to wait to fall
They’ll tell you where to go
But they won’t know



{18 Octubre, 2009}   Pete Seeger – John Henry

Pete Seeger es un cantante folk de 90 añitos tan importante en América como desconocido fuera. Seguramente porque era un virtuoso del banjo y el ukelele, que tampoco es que sean dos instrumentos de lo más comercial. Es más, inventó un nuevo tipo de banjo, de 25 trastes y 5 cuerdas.

Con apenas 20 añítos, se puso a trabajar con Alan Lomax, en la Library of Congress. ¿Y esto que tiene que ver con nada? Pues que su trabajo consistía en escuchar música folk día y noche, y se ve que algo se le quedó: Pronto fundó dos bandas, los Almanac Singers y The Weavers. Los primeros eran un grupo político panfletario, lo cual no le trajo más que disgustos, ya que su padre era político con aspiraciones.

Consiguieron bastantes éxitos, como On top of Old Smokey, Goodnight, Irene, y alguna más, incluido el Kumbaya.

Este año con motivo de su 90 cumpleaños dio un concierto llamado The Clearwater Concert, en el Madison Square Garden donde tocaron gente como Dave Matthews, Bruce Springsteen, Tom Morello, Roger McGuinn Joan Baez, Tom Paxton, Ramblin’ Jack Elliott y Arlo Guthrie.

Esta canción no es la más conocida, pero mola. Y es muy interesante para contar una historia, la de John Henry.

John Henry era un ferroviario. Legendario, eso sí. Se dedicaba a construir las vías del tren, a mano, claro, era al siglo XIX. Martillo y escoplo, y tal. Cuando el jefe empieza a comprar maquinaria que puede sustituir a los trabajadores, para evitar que la ponga en marcha le reta: él contra la máquina. Si gana, seguirán trabajando. Si no, pues todos a la calle. .

Henry es algo así como una figura mitológica del movimiento obrero norteamericano. Además simboliza la futilidad de luchar contra el progreso tecnológico, porque, sí, al final gana él, pero muere.

Hace poco, Springsteen grabó un disco entero de versiones de Pete Seeger, We Shall Overcome, donde está esta estupenda versión:

Well John Henry was a little baby
Sittin’ on his daddy’s knee
He picked up a hammer and
a little piece of steel
And cried, “Hammer’s gonna
be death of me, Lord, Lord
Hammer’s gonna be the death of me”

Now the captain he
said to John Henry
“I’m gonna bring that
steam drill around
I’m gonna bring that
steam drill out on these tracks
I’m gonna knock that
steel on down, God, God
I’m gonna knock that
steel on down”

John Henry told his captain
“Lord a man ain’t noth’ but a man
But before I let that steam drill
beat me down
I’m gonna die with a hammer
in my hand, Lord, Lord
I’ll die with a hammer in my hand”

John Henry driving
on the right side
That steam drill driving
on the left
Says, “Fore I let your
steam drill beat me down
I’m gonna hammer
myself to death, Lord, Lord,
I’ll hammer my fool self to death”

Well captain said to John Henry
“What is that storm I hear?”
John Henry said, “That
ain’t no storm captain
That’s just my hammer
in the air, Lord, Lord
That’s just my hammer in the air”

John Henry said to his shaker
“Shaker, why don’t you sing?
Cause I’m swingin’ thirty pounds
from my hips on down
Yeah, listen to my cold steel
ring, Lord Lord

Listen to my cold steel ring”

John Henry he hammered
in the mountains
His hammer was striking fire
But he worked so hard;
it broke his heart
John Henry laid down his hammer
and died, Lord, Lord

John Henry laid down his hammer and died

Well, now John Henry
he had him a woman
By the name of Polly Ann
She walked out to those tracks
Picked up John Henry’s hammer
Polly drove steel like a man, Lord, Lord
Polly drove that steel like a man

Well every, every Monday morning
When a blue bird he began to sing
You could hear John Henry
from a mile or more
You could hear John Henry’s hammer
ring, Lord, Lord
You can hear John Henry’s hammer ring
I say, You can John Henry’s
hammer ring, Lord, Lord
You can John Henry’s
hammer ring



Hoy toca ponerse emotivos.

Dream Theater nacieron en 1985 con el nombre Majesty; eran tres alumnos del Berklee College of Music:  John Myung, John Petrucci, y Mike Portnoy que se dedicaban a versionar a Rush y a Maiden. Reclutaron al teclista Kevin Moore y al cantante Chris Collins, que duró una demo, hasta que encontraron a Charlie Dominici, que gritaba mejor. Pronto empezaron a ser más conocidos y a tocar por New York, cuando les denunció un grupo que ya se llamaba Majesty y tuvieron que renombrarse.

Dream Theater, dijo el padre de Portnoy, y hasta hoy.

En 1988 consiguieron un contrato con MCA y en 3 semanas grabaron su debut, When Dream and Day Unite, que no tuvo ni promoción ni éxito ninguno. Tras el fiasco, Dominici se largó, no sin antes telonear una noche a Marillion. Buscaron cantante nuevo, incluso contrataron a Steve Stone, al que despidieron tras cantar con él 4 temas en directo, y por fin, tras 2 años buscando, en 1991 encontraron a James LaBrie, de la banda de glam rock Winter Rose,

Con él sacaron su segundo disco, Images and Words, de donde salió el único gran éxito del grupo (tanto que su disco recopilatorio se llama Greatest Hit): Pull Me Under, que hasta sale en el Guitar Hero World Tour.

A éste le siguió el Awake, de 1994, coincidiendo con la marcha del teclista Kevin Moore. El resto de la banda quería coger a un tipo llamado Jordan Rudess, pero no estaba interesado y se decantaron por Derek Sherinian, que había tocado con Alice Cooper y los Kiss.

Su primera aportación fue en el EP A Change of Seasons, que incluía la canción del mismo título (de 23 minutos de duración) junto a un montón de versiones. Para el siguiente álbum la discográfica les contrató a Desmond Child para ayudarles a conseguir un sonido más comercial a ver si vendían un poco. De ahí nació Falling Into Infinity, y a punto estuvo Portnoy de finiquitar la banda tras aquello.

Afortunadamente no lo hizo. Sherinian se fue y, ahora sí, consiguieron fichar a Jordan Rudess y componer un disco conceptual sobre asesinatos, traiciones y reencarnación, Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory (1999), que seguramente sea su obra maestra y uno de los mejores álbumes que ha dado el rock progresivo. Además, grabaron un DVD en directo tocando el disco entero y en orden con imágenes explicativas, actores interpretando los papeles y un coro de gospel; el resultado fue Live Scenes from New York, cuya portada iba a incluir las Torres Gemelas en llamas. La fecha de salida era el 11 de septiembre de 2001…

La historia es algo así: Un hombre llamado Nicholas tiene sueños en los que ve el asesinato de una joven llamada Victoria en el año 1927. Efectivamente, esa chica fue asesinada y el caso se dio por cerrado al encontrar junto a ella el cuerpo de un hombre que se había suicidado, al parecer. Nicholas no está convencido y va a una sesión de hipnosis a través de la cual revive todos esos acontecimientos desde el punto de vista de la chica, encontrándose una historia de traición y corruptelas entre dos hermanos que se disputan su amor.

Nicholas es incapaz de evitar la muerte de Victoria, pero descubre que realmente él es la reencarnación de la chica 70 años después. Descubre quién fue su asesino y se dispone a revelarlo. Si queréis saber cómo acaba la historia, escuchad el disco.

The Spirit Carries On es la penúltima canción del Metropolis II. Nicholas se queda en paz consigo mismo al saber que la muerte de Victoria era inevitable y que no marcó el final, sino la transición a su nueva vida. Sabe que puede morir en paz porque cada muerte no es más que parte del camino.

Ésta es la versión en directo, con coros de la señora Theresa Thomason poniendo los pelos de punta. Esto es muy grande. En la letra hay dos papeles, el de Nicholas y el de Victoria, aunque todos los personajes los interpreta James LaBrie.

[N:]
Where did we come from?
Why are we here?
Where do we go when we die?
What lies beyond
And what lay before?
Is anything certain in life?

They say ” Life is too short”
“The here and the now”
And ” You`re only given one shot”
But could there be more
Have I lived before
Or could this be all that we`ve got?

If I die tomorrow
I`d be alright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on

I used to be frightened of dying
I used to think death was the end
But that was before
I`m not scared anymore
I know that my soul will transcend

I may never find all the answers
I may never understand why
I may never prove
What I know to be true
But I know that I still have to try

If I die tomorrow
I`d be alright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on

[V:]
“Move on, be brave
Don`t weep at my grave
Because I`m no longer here
But please never let
Your memories of me disappear”

[N:]
Safe in the light that surrounds me
Free of the fear and the pain
My questioning mind
Has help me to find
The meaning in my life again
Victoria`s real
I finally feel
At peace with the girl in my dreams
And now that I`m here
It`s perfectly clear
I found out what all of this means

If I die tomorrow
I`d be alright
Because I believe
That after we`re gone
The spirit carries on



etcétera